Ein zusammenhängende Theorie des „Konzeptuellen“ in Bildender Kunst und Musik* ist mir nicht bekannt, obwohl die große Zeit der Conceptual art doch schon über ein halbes Jahrhundert zurückliegt. Im folgenden Vortrag, den er am 25. November diesen Jahres in Düsseldorf hielt, versucht Harry Lehmann, gründlich und nüchtern wie immer, diese Lücke zu schließen. Er kommt zu dem Ergebnis, dass ein „Isomorphismus von Konzept und Perzept“ das konstitutive Element konzeptueller Ästhetik sei. Das klingt – wie so oft bei Lehmann – trügerisch einfach, ist aber, wie sich bald herausstellt, das Ergebnis sehr weitgehender und scharfsinniger Reflexionen und Analysen.
Es lohnt sich für jede, die an zeitgenössischer Ästhetik interessiert ist, diesem Vortrag zu lauschen, denn dass unsere ästhetische Gegenwart auch eine „postkonzeptuelle“ (Peter Osborne) ist, dürfte klar sein:
Mein Stück Zwangsgedanke für Selbstspielklavier aus dem Jahr 2016 ist bei den Musikbeispielen dabei, was eine große Ehre bedeutet, vielen Dank dafür, Harry, das hat mich sehr berührt! Hier ist die Passage, in dem es um „Zwangsgedanke“ geht (Dauer unter 2 Minuten):
* Was ist eigentlich mit dem Konzeptuellen in der Literatur? Ich denke da immer an die Texte der Wiener Gruppe, aber gibt’s nicht noch mehr?
Der 3. Satz meiner Sostenuto-Klaviersonate aus dem Jahr 2008 mit der Ausführungsanweisung „zunächst aufbrausend und zornig, dann plötzlich nachdenklich“ diente als Ausgangspunkt für diese Komposition für Selbstspielklavier.
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Ein bekanntes Werk der Appropriation Art aus dem Jahr 1989: „Untitled (cowboy)“ von Richard Prince
Ich finde es befremdlich, wie wenig sich Kunstmusik-KomponistInnen oft mit zeitgenössischer bildender Kunst beschäftigen oder gar auskennen, denn eigentlich sind doch Darmstadt und Donaueschingen ganz exakte Äquivalente etwa zur documenta oder zur Biennale in Venedig. Nur hat man bsp.weise in Darmstadt (wo ich letztes Jahr war) den Eindruck, hier wird als heißer Shit diskutiert, was an Kassel schon 1980 „durch“ war (Konzeptualismus, Postmoderne). Der Komponist Hannes Seidl sieht das durchaus, wenn er im kürzlich publizierten E-Mail-Wechsel mit Johannes Kreidler „‚Neue Musik‘ ist meistens etwas hinterher“ seufzt (MusikTexte 152).
So hat bsp.weise die Appropriation Art, eine durchaus einflussreiche Strömung in der Bildenden Kunst der letzten 30 Jahre, nach meinem Kenntnisstand bisher nur sehr wenige Kunstmusikkomponisten inspiriert, obwohl sich die Sampling-Technologie hier zur Umsetzung geradezu anbietet. Dasselbe gilt für Neo-Geo, aber auch für restaurative Tendenzen wie etwa die Neue Leipziger Schule (die man musikalisch mit neo-tonalen Ansätzen parallelisieren könnte): Wer macht sowas „als“ Musik? Ich denke, es wäre keine Schande für die Kunstmusik, sich hier umzusehen und einfach mal zu machen, auszuprobieren, zu experimentieren, um Anschluss zu finden.
Neo-Geo: „Mondrian, Amsterdam 2016“ von Peter Schuyff
Immer wieder habe ich als externer Beobachter der „Neue Musik“-Szene den Eindruck, deren ProtagonistInnen haben es aufgrund der starken Institutionalisierung dieser Kunstgattung einfach nicht nötig, mal über den Tellerrand zu schauen und auf Trends im zeitgenössischen Kunstgeschehen zu achten, um im „Geschäft“ zu bleiben. Allein der Begriff „Trend“ dürfte vielen Neue-Musik-Menschen, denen ich begegnet bin, als Inbegriff des Oberflächlichen und deshalb Abzulehnenden erscheinen. Lieber strebt man nach „Überzeitlichkeit“ und vertont Paul Celan, Friedrich Hölderlin, Anne Sexton oder Sylvia Plath (wogegen ich nichts einzuwenden habe, aber die Vertonung hermetischer Lyrik sollte nicht als alternativlos gelten).
Die Neue Leizpiger Schule mag ich zwar nicht, aber zeitgenössische Kunst ist sie zweifellos: Neo Rauchs „Ordnungshüter“ aus dem Jahr 2008
Die Welt der alten „Neuen Musik“ scheint mir in den letzten 25 Jahren mehr und mehr zu einem Sammelbecken von Reaktionären und Gegen-den-„Zeitgeist“-Schwimmern geworden zu sein, deren ästhetische Erziehung mit etwas abgeschlossen war, was man in der Bildenden Kunst Abstrakten Expressionismus nannte. Und der hatte bekanntlich in den 1950er-Jahren seine große Zeit.
Kein Wunder, dass nun viele Junge aus der eurozentrischen Neuen Musik „austreten“ wollen, wie der Musikpublizist Michael Rebhahn bereits 2012 richtig feststellte: gut so. Gleichzeitig bleibt ihnen aber nichts anderes übrig, als in die globale Kunstmusik / Art music „einzutreten“. Denn einen dritten Weg sehe ich nicht.
Tatsächlich ist es vollkommen unerheblich, ob Neue Musik irgendjemandem gefällt … , solange sie nur geschickt die Tabuzonen aktueller interner Ästhetiken umschifft und eine bestimmte Qualität der Machart ausweist.
Moritz Eggert: „Wer mag eigentlich Neue Musik?“, Blogartikel vom 20. November 2016
Nach dem Ansehen dieses viel zu langen, viel zu respektlosen Interviews mit dem Meister aus Stuttgart wurde mir endlich klarer, warum mich seine Musik nie interessierte und ich mich bis heute immer mächtig zwingen muss, sie aufmerksam anzuhören: Sie löst auf schlüssige, beeindruckende Weise ästhetische Probleme – die sich mir nie stellten.
Es ist ja nicht einmal so, dass ich Lachenmanns Musik nicht mag, nein, aber sie löst einfach generell keine vielfältigen Emotionen bei mir aus und triggert auch keine nachhaltigen intellektuellen Impulse. Was aber sehr wohl stets und sofort entsteht, ist ein überwältigendes Gefühl des Überdrusses, des „das kenne ich, das hatten wir schon, ja, ist ja gut, ich weiß, was du meinst, lass mal gut sein, hab’s verstanden, lass stecken“. Das ist jetzt natürlich etwas frivol formuliert, trifft aber tatsächlich den Kern meines Empfindens. Kurz gesagt, Lachenmanns Musik zu lauschen ist, wie jemandem zuzuhören, der einem lang und breit erläutert, warum Paul Celan für ihn im Jahr 1961 der wichtigste Autor deutscher Sprache war: Man empfindet pflichtschuldigen Respekt, langweilt sich, hat ein schlechtes Gewissen, macht ein todernstes Gesicht und schielt doch ständig auf die Uhr.
Die Lachenmann Zeit seines Lebens an- und umtreibende Frage „Wie könnte eine ästhetisch radikale Rebellion gegen das konformistische, restaurative, konsumorientierte und denkfaule bzw. geistfeindliche Nachkriegsdeutschland Konrad Adenauers klingen?“ hatte sich bereits vor meiner Geburt erledigt, bzw. war durch die 68er und ihre Nachfolger schlüssig und erschöpfend beantwortet worden.
Wer weiß, wäre Helmut Lachenmann in den USA geboren worden, hätte er vielleicht Minimal music gemacht. Aber so bleibt bei mir der Eindruck einer verbissen „post-faschistischen“ Ästhetik, die in der variantenreichen Negation einer „verfluchten“ Vergangenheit verharrt, an die sie sich dennoch angekettet sieht. Und zwar alternativlos. Ein Vergleich mit den frühen Romanen Thomas Bernhards bietet sich an, v. a. mit seinem Erstling „Frost“. Irgendwie deprimierend und (für mich) in keinster Weise vorbildfähig. Bewundernswert, ja, in jedem Fall, aber nicht anregend.
Es ist mir ein großes Rätsel, warum Lachenmanns Konzept einer musique concrète instrumentale bis heute den Mainstream der Neuen Musik prägt und der „Neue Konsonantismus“ der Minimal music bzw. Cages post-dadaistischer Inklusionismus oder andere konzeptuelle Strategien im deutschsprachigen Raum weiterhin ein Schattendasein führen. Ein noch viel größeres Rätsel ist mir aber, warum das in der Welt der Neuen Musik selbst 71(!) Jahre nach Ende Ende des Zweiten Weltkrieges scheinbar niemanden (außer Klarenz Barlow, Moritz Eggert und Johannes Kreidler – sollte ich jemand vergessen haben: BITTE MELDEN!) hochgradig irritiert. Große Teile der bis heute „normalen“, also vor allem mit immer weiter verfeinerten erweiterten Spieltechniken arbeitenden Neuen Musik, die sich für so elementare musikalische Phänomene wie Harmonik oder Repetitivität nicht zu interessieren scheint, wirken in meinen Ohren wie aus der Zeit gefallen. Es handelt sich hier ja schließlich nicht um ein Retro-Konzept, das wäre etwas anderes, evtl. sogar ziemlich Cooles, sondern um bierernst gemeinten Avantgardismus, allerdings leider aus dritter Hand.
Es ist ein bisschen so, als ob die Enkel von schlesischen oder sudetendeutschen Vertriebenen aus falsch verstandener Loyalität in die entsprechende Landsmannschaft ihrer Großeltern eintreten, um sich dann in tiefem Ernst und im Bewusstsein ihrer „historischen Verpflichtung“ als „Gesinnungsvertriebene“ bzw. als „Vertriebene dritter Ordnung“ fühlen zu können, anstatt sich den Herausforderungen ihrer eigenen Generation (z. B. der Frage nach dem „richtigen“ Umgang mit den enormen Freiheitsgraden unserer Zeit) zu stellen.*
Gespenstisch, das alles. Und trist. Mal wieder.
*Als Spross einer mütterlicherseits vetriebenen Familie weiß ich, wovon ich spreche. Wäre ich einst den wirren Einflüsterungen meiner traumatisierten Verwandten gefolgt, ich hätte sofort nach Breslau fahren und dort ein Blutbad von Breivik-hafter Dimension anrichten müssen. Weil da jetzt „der Pole“ sitzt. Und der „gehört da nicht hin“. Weil „Schlesien deutsch ist“, immer war und immer sein wird usw. Es ist so gruselig.
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… im Strukturklang erfahren wir eine Menge unterschiedlicher Details, Einzelklänge, die keineswegs identisch sind mit dem Gesamtcharakter des Klangs, vielmehr im Hinblick auf ihn zusammenwirken. Dieser Gesamtcharakter seinerseits ist aber nun nicht wieder eine primitivere Pauschalqualität, sondern etwas virtuell Neues, durch dessen Originalität jene Details erst als dessen Funktionen sich rechtfertigen.
Die Charakteristika der freien Improvisation ergeben sich ausschließlich aus der klangwerdenden musikalischen Identität derer, die sie betreiben.1 … freie Improvisation ist keine Musik, der man treu zu sein hätte oder nicht. Sie ist eine Form des Musikmachens. Eine im Einzelfall angemessene Methode, zu musizieren. Und es ist seine Hingabe an die Praxis der freien Improvisation, an das Formen, ohne Festzulegen, die dem Spieler Authentizität und Freiheit verschafft 2
Derek Bailey (1930 – 2005): „Improvisation. Kunst ohne Werk“ (1980, dt. Übs. Alexander von Schlippenbach), 1 S. 128, 2 S. 192
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Dieses Musik-Konzept ist…
Lachenmann
Bailey
intellektuell überzeugend
+
+
emanzipativ
+
+
effizient/ökonomisch*
–
+
institutionskritisch**
–
+
multikulturalistisch/weltoffen
–
+
(potentiell) inklusiv/non-elitär
–
+
ergebnis- bzw. werkorientiert
+
–
interessiert an nachhaltiger Wirkung
+
–
konzentriert/arm an redundanten Elementen
+
–
in der Lage, sich selbst in Frage zu stellen
–
–
fähig, neue Materialbestände zu akkomodieren
–
–
hörerfreundlich/zugänglich***
–
–
zukunftsweisend
–
–
* Damit ist das Verhältnis zwischen Input und Output gemeint. Nach meinem Dafürhalten erzielt Bailey mit weitaus geringerem Aufwand Ergebnisse, die denen Lachenmanns ästhetisch äquivalent sind. Demzufolge ist Baileys Konzept nach Ockhams Sparsamkeitsprinzip dem Lachenmanns überlegen. Mir ist bewusst, dass die Anwendung von Effizienzprinzipien auf ästhetische Konzepte so manchem „neoliberal“ anmuten mag. Ist sie aber nicht. Sie bewegt sich eher im Umfeld der Anwendung darwinistischer Prinzipien auf die Soziokultur. Dass das jetzt viele noch mehr aufregt, ist mir auch bewusst, aber egal 🙂
** Lachenmann wurde zwar nie müde, den „ästhetischen Apparat“, d. h. das Phänomen, jegliche Art von Musik an der Ästhetik des Klassisizmus zu messen, zu kritisieren, bewegte sich aber sein Leben lang stets innerhalb der Institutionen, die diesen Apparat trugen und weiterhin tragen. Bailey und die Bewegung der Improvised Music bzw. des Free Jazz hingegen war und ist in der Regel Teil der „Sub-„, bzw. „Gegenkultur“ und bildete „Independent“-Strukturen aus: eigene Labels, eigener Vertrieb, eigene Festivals etc. bzw. verweigerte sich weitgehend ihrer Institutionalisierung.
*** Das meint nicht „kommerziell“, sondern eher sowas wie „niedrigschwellig“. Minimal music wäre z. B. niedrigschwellige Kunstmusik, weil sie den Mainstream-Hörer erst mal nicht komplett vor den Kopf stößt, denn sie verwendet in der Regel nicht ausschließlich atonales und/oder Geräuschmaterial. – By the way, „Kommerzialität“ ist, das wollte ich schon immer mal los werden, gar keine ästhetische Kategorie, sondern eine ökonomische. Das oft gehörte Argument „Ich höre keine Beatles, weil die kommerziell waren.“ beurteilt Lennon/McCartney also nach außermusikalischen Aspekten – was legitim ist, aber nichts über den ästhetischen Wert eines Beatles-Songs aussagt. Man macht sozusagen keine geschmackliche, sondern eine betriebswirtschaftliche Aussage und bestätigt – leider – damit indirekt das Primat der Ökonomie über die Kunst (obwohl man gleichzeitig stets die ökonomische Unabhängigkeit jeglicher kreativen Äußerung einfordert – wenn das kein Widerspruch ist!). Dieser Kategorienfehler führt dann bsp.weise auch dazu, dass man Musik, die man bisher cool fand, uncool finden muss, sobald sie sich „verkauft“ – denn „Was sich gut verkauft, kann ja nicht cool sein, Alter!“. Dieser Bullshit hält sich bis heute hartnäckig, vor allem im intellektuell eher anspruchslosen linksautonomen Protestmilieu, aber auch im sog. „Indie-“ bzw. Post-Punk-Soziotop.
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Weltsicht aus der Nische 